Por Mireille Torres

Este sábado 12 de mayo se presentaron Chromatics, Glass Candy y Emilio Acevedo para dar comienzo al Bonus Creative Week MX.

Desde las nueve de la noche ya había gente formada para poder entrar al Auditorio Black Berry. El público se repartía entre fans de las bandas y gente interesada en el proyecto Bonus Creative Week MX, pero a fin de cuentas, todos iban con la intención de divertirse y bailar al ritmo de las bandas originarias de Portland, Oregon.

Antes de que comenzara el evento, un video sobre el Bonus CWMX mostraba a los involucrados dentro del proyecto hablando sobre su propuesta. Básicamente, la idea es dar a conocer nuevas propuestas mexicanas, de pequeñas y medianas empresas que tienen en común la creatividad en diversas áreas como la música, la arquitectura o el diseño, por mencionar algunos ejemplos.

Los Chromatics estaban programados para las diez de la noche pero empezaron media hora más tarde. Esta banda tiene un sonido un tanto etéreo, con reminiscencias del post punk a la Joy Division pero con voz femenina.

Así arrancaba la noche, con Ruth Radelet esperando a que Chaplin, representando a Hitler desde una pantalla gigante, le diera consentimiento de empezar a invadirnos con su voz melancólica y seca. Ella, junto con la guitarra de Adam Miller y la batería de Nat Walker nos pusieron en un mood introspectivo, como de aquél que esconde secretos lejanos y espera que el amor regrese.

Recientemente fueron incluidos en el soundtrack de Drive, película con tintes ochenteros, en la que la música es, en definitiva, parte esencial para la creación de una atmósfera melodramática.

Digamos que este es el proyecto más abstracto y smokey de Johnny Jewel, quien ya había formado anteriormente su proyecto Glass Candy con Ida No, de Vancouver.

Glass Candy trae un sonido más juguetón y es que a Ida No le gusta bailar, reír, convivir con el público y modular su voz en grititos esperpénticos que la hacen ver como una niña mal portada que a todos nos cae bien. Entre globos de colores, Glass Candy hizo la fiesta y nos puso a todos a bailar y brincar. Algunos terminamos en el escenario bailando y sudando con esta pareja fenomenal.

Así pasó el concierto al más puro estilo no-wave gracias a los sintetizadores de Johnny Jewel, les debo a Emilio Acevedo porque ya no le seguí la fiesta, ouch! Los que sí lo escucharon por favor platíquenos cómo estuvo.

Fuente fotográfica:

Mireille Torres

Por: Joe Rude

No importa cuánto tiempo pase, la música no dejará de sonar ni de dictarnos los caminos por los que debemos de seguir. Esos caminos no siempre son los más honestos y es muy fácil desviarlos pero, mientras suene, la música vive.

Este año en que la mayoría de los lanzamientos musicales son regresos de bandas que hicieron historia, empieza a notarse cuáles siguen vigentes, cuáles son recibidas por puro morbo y cuántos fans conservan.

En esta gama de reapariciones toca el turno a una singular agrupación, una más de la prolífera década de los noventa, que se ausentó y hoy decide regresar: Garbage.

Esta banda pionera del rock alternativo, con ira de tipo grunge,. vuelve después de seis años con nuevo material: Not your kind of people , disco que trae de vuelta la sensual voz de Shirley Manson, junto a los productores de bandas legendarias como Nirvana ( por mencionar alguna).

Ofrecen esta vez un rock alternativo muy adornado de pop; ya no suena la rabia de la época noventera, pero conservan el patrón de rock duro en menor cantidad, suenan más actuales en busca tal vez de encontrar público nuevo, a sabiendas de que el que ya tenían, en su ausencia pudo cambiar de opinión. En momentos parecen querer rescatar la manera en la que componían antaño, con riffs duros de guitarra pero débiles en comparación con un sonido más popular.

Ciertamente todos estos regresos no deben tomarse como los salvadores de la música actual, pues no es la idea principal, si muchos han vuelto es tal vez porque el dinero ya les hace falta y otros porque deben su vida a este medio del cual, al obtenerlo todo, salen en busca de nuevas sensaciones y experiencias, pero irremediablemente vuelven. Otros más, permanecen porque sus disqueras los tienen enganchados a cumplir y esto se nota en el resultado de sus discos que suenan ya muy comprometidos y forzados.

En el caso de Garbage, siendo que los integrantes del grupo son los mismos productores cuyas visiones cambian con el éxito de sus producciones, nos ofrecen un disco más vendible que nostálgico de lo que alguna vez lograron en la juventud y corriente de la época. Así que de este disco tampoco debe esperarse demasiado, musicalmente hablando.

Shirley Manson conserva la voz característica, menos ruda y oscura que antes, acorde a la tendencia que domina este año. La música está bien armada y rescata su viejo sonido en partes, pero cae bastante en lo popular por lo que muchos de los fans de antaño lo tacharán de “fresa” y descartarán.

Este álbum se une a los más esperados del 2012 y a la lista de los que no cumplieron expectativas. No obstante, para quien no los conoce es una oportunidad de hacerlo, siempre y cuando investigue su pasado musical. Para quienes eran fans, merece que lo escuchen. Ahora les invito a escuchar este regreso que indica no ser de la misma clase de personas.

In music we trust!

Por Mireille Torres

El viernes pasado en El Pasagüero pudimos disfrutar de la presentación del segundo álbum de esta banda de swing del surponiente de la ciudad: Pide Boogie. Los Viernes es una de esas bandas que necesariamente tienes que ver en vivo, pues les gusta armar la fiesta y ¡vaya que saben hacerlo! Si eres de aquellos a los que les gusta el rollo vintage a la mexicana, definitivamente Los Viernes es una buena opción musical. Vestidos como unos dandys de la década de los cincuenta, los integrantes de esta banda te harán sentir como si estuvieras en un set de alguna película de Tin Tan. El zoot suit, la leontina, el sombrero de pluma, los tirantes y los zapatos bicolor forman parte del look que estos galanes traen para nuestro deleite.

El proyecto de Los Viernes lleva ya tres años, una banda joven, que sin embargo, suena bastante consolidada. La base de este nuevo disco está totalmente sustentada en el swing, pero también tiene influencias del disco, gipsy jazz y bolero latino. Las letras tienen que ver con la cotidianidad de la vida en la Ciudad de México y generalmente nos narran eventos que realmente le sucedieron a alguno de sus integrantes y que David Puente los transforma en canción.

Ciudad de México, ciudad de noche, ciudad siempre. Mujeres con collares de perlas, el amor y el desamor, promesas, el desvelo, el baile y el amanecer rotundo es lo que puedes encontrar en Los Viernes. La banda está formada por una tradicional sección rítmica: Guitarra y voz: David Puente, Bajo: Enrique Mayoral, Batería: Hector Joffre, y una peculiar sección de alientos que acompaña en todo momento a la voz: Trompeta: Pe Aguilar, Trompeta: Mauricio Peña, Flauta: Zurdo Oropeza, Saxofón Tenor: Jonathan Arellano.

Para esta nueva producción, a cargo de CRP Records, cuentan con la colaboración de Gina Bustamante en voz y Eric El Niño con un rap prendidón. El arte del disco estuvo a cargo de David Pescador, Lorena Sarre y el diseño a cargo de Mariana Luna.

Tracklist:

01.- No era yo

02.- Cada vez

03.- Vedette

04.-Rey del barrio

05.-Qué pasará

06.-Pide boogie

07.-Swing de la libertad

08.-Para qué

09.-Perdonada estás

10.-Escándalo

11.-La luz

12.-Dónde están

Bonus track: Insomnio y alcohol, ft Eric El Niño.

Para seguir a Los Viernes, conseguir sus discos y enterarse de sus tocadas:

www.facebook.com/losviernes

www.twitter.com/losviernes

Fuentes fotográficas:

Mireille Torres

La relación entre la fotografía contemporánea de México y Estados Unidos en las últimas tres décadas no se puede comprender sin la amistad y la actividad que Wendy Watriss y Fred Baldwin han mantenido y desarrollado con sus colegas mexicanos. FotoFest, el festival creado por ellos con sede en Houston, Texas, ha servido como plataforma de innumerables intercambios que han beneficiado la mutua comprensión de nuestros imaginarios.

Menos conocida es la obra que por varias décadas realizaron como fotógrafos, tanto individualmente como en pareja. Una antología de la misma, Looking at the U.S., 1957-1986, producida por el Museo de Fotografía de Charleroi, Bélgica, bajo la curaduría de Xavier Canonne, se ha presentado a partir del 14 de abril en el Centro de la Imagen (CI). Con motivo de la clausura de esta exposición, que sucederá el 27 de mayo, el CI ha organizado, el 22 y 23 del mismo mes, el Encuentro Mirando a los Estados Unidos, que busca propiciar un diálogo sobre la imagen de México y Estados Unidos, así como celebrar la amistad de fotógrafos e investigadores mexicanos con Wendy Watriss y Fred Baldwin presentando los testimonios de quienes han colaborado con ellos en diversas ocasiones.

La mirada en profundidad de ambos sobre aspectos como los derechos civiles, la migración, la integración cultural y los efectos de la guerra, es un notable referente para pensar sobre la vigencia de la fotografía como testimonio histórico y documento crítico. El encuentro Mirando a los Estados Unidos se basa en esta manera de entender y promover la imagen para abrir una reflexión y un debate sobre la misma.

Más información en http://centrodelaimagen.conaculta.gob.mx/

Por: Pablo Silva             @pabs_garcia

La portada es uno de los componentes más importantes de cualquier revista. Independientemente del contenido, el impacto visual que genere a primera vista, la composición inicial de una publicación determinará en gran parte el éxito y relevancia de la misma.

Esta regla aplica de manera más severa en las publicaciones de moda. En primera instancia, un shooting con producción, temática y composición siempre apela al gusto y atención de los lectores. Una gran cantidad de imágenes ahora icónicas y pertenecientes a la cultura popular universal surgieron directamente de las portadas de grandes revistas como Vogue, i-D y Vanity Fair, por nombrar algunas.

Pero, ¿qué pasa cuando una simple foto no es suficiente? Cuando es necesario ese toque irreverente en el que la fantasía e imaginación corrompen esas escenas tan cuidadas y calculadas…

Es entonces cuando entra el talento de Hattie Stewart.

Esta artista e ilustradora originaria de Londres es una experta en la intervención. Con gran humor e ingenio, ha afectado un sinfín de portadas agregando divertidos personajes y detalles, volviendo humorísticas distintas escenas predefinidas.

Aunque la moda siempre fue un área de interés para ella, nunca supo de qué manera pertenecer a este ámbito. Afortunadamente optó por enfocarse en una vocación artística y encontrar un estilo único.

A partir de covers célebres de publicaciones élite, implementando distintas técnicas creativas —y sin la menor consideración por el personaje al que está afectando—, genera nuevos conceptos e imágenes irreverentes. Ya sea irónica o satírica, cada ilustración creada por ella impacta al espectador con el festín visual del que está compuesta.

Los tonos neón y pastel en contraste con plastas negras y múltiples secuencias amorfas son los elementos visuales en los que se apoya para dar vida a personajes caricaturescos, haciendo híbridos inquietantes y lúdicos.

Su visión y obra han adquirido gran proyección consiguiendo importantes mancuernas creativas. Tal es el caso de la línea exclusiva de ilustraciones en t-shirts que realizó para la marca Kitty K. También ha intervenido múltiples locaciones, venues, tiendas y campañas.

En junio, Hattie presentará en numerosas galerías de Londres lo mejor de su trabajo a través de un recorrido cronológico de su trayectoria. Tanto ilustraciones inéditas como la próxima colección de las prendas ilustradas estarán disponibles en exhibición y a la venta para el deleite de todos sus seguidores.

Fuentes fotográficas:

http://hattiestewart.com/

Por: Joe Rude

Si la experimentación es el constante móvil por el cual llegamos a encontrar cada vez más y más el punto hacia el cual hemos decidido llegar, se convierte en una aventura cada paso dado para conseguirlo.

Desde Israel ha salido, por fin, el nuevo trabajo discográfico del dúo Erez Aizen y Amit Duvdevani, oriundos de Tel Aviv y activos desde 1996. El dueto ha ido evolucionando su sonido desde aquella banda de punk rock con la que todo inició y ahora son reconocidos mundialmente como Infected Mushroom.

La dupla ha atravesado por una evolución musical y por muchos y diversos ritmos, predominando el rock con bases electrónicas en el trance de dj’s como Van Bureen, Van Dyke, y el techno como el de Krafwerk y Sven Vath aunque ellos aseguren que su influencia es la música clásica, que tal vez esté presente en la composición de los temas- El sonido final es una mezcla de muchos géneros más.

Así, en cada disco, incluido el octavo que ya está a la venta, se encuentran detalles que los han llevado a colocarse en la cima del éxito en las corrientes de música electrónica, los raves y los festivales en playas paradisiacas como la predilecta para estos eventos: Ibiza.

Army of mushrooms es el título de su más reciente producción, la cual los trae de vuelta a la escena musical en este 2012, que ha comenzado tan prolifero para la música y sus diferentes tendencias. Es un disco en el cual escuchamos las habilidades de estos dos dj’s para fusionar ritmos con las bases electrónicas, apoyados por músicos en guitarra, batería y bajo.

En este trabajo se escuchan algunas diferencias respecto de los anteriores: la más marcada es la velocidad o el tempo de las canciones, si bien este grupo es reconocido por la velocidad de las progresiones electrónicas –lo cual les llevó a catalogar su música como psycho trance o psytrance–, en Army of mushrooms suenan todavía más experimentales y melódicos, pasando por guitarras pesadas, el dub, asemejando partes de trip hop, voces femeninas muy melódicas que en comparación con los discos anteriores donde las progresiones electrónicas eran la base sin variar mucho la velocidad, haciéndolos más pesados y no muy digeribles para todos.

Esta vez recuerdan incluso el trabajo de bandas como Daft punk y, aunque Infected Mushroom utilice siempre la línea de origen en sus producciones, en esta suenan menos apresurados, denotando un mayor trabajo en lo que a composición musical se refiere. Han dejado de introducir los ritmos de su natal región, escuchándose más actuales pero sin perder la potencia que los caracteriza pues, en un sube y baja auditivo, siguen demostrando el porqué de su fama y de que este álbum sea uno de los más esperados del año.

Con este ejército de setas, el dúo Isreaelí ataca de nuevo, y nos ofrece trece temas de un viaje electrónico bastante bueno, destacando “Drum and bassa”, “The Messenger”, “Send me an Angel”, en la que suena una base de dub al inicio. “Want to ” con una voz femenina dulce y melódica, y su versión de “Pretender”, cover a los Foo fighters. Esto hace de este álbum todo un trance sonoro, donde no escucharemos piezas agresivas como la poderosa “Becoming insane” (del disco Vicious delicious) pero sí un buen trabajo donde el único detalle que mencionaré en contra es que la introducción de todos los temas es muy similar por lo que, si se escucha de corrido, el disco puede confundirlos, les invito a apreciar el ataque de este ejército de hongos.

In music we trust!

Fuentes fotográficas:

http://forwardmusiq.wordpress.com

http://www.wmeentertainment.com

Un ilustrador es un creador de personajes, fantasías, situaciones o ambientes, es un tipo capaz de traer a este mundo, mundos que no se han descubierto y es una herramienta maravillosa.

En el taller de ilustración vectorial de Alex Sevilla “caminaremos un poco por el proceso de creación de un personaje al que daremos vida desde su estructuración conceptual, personalidad, los primeros trazos y bocetos a mano alzada; pasando por el trazo vectorial, y los ejercicios de color y volumen.

“En síntesis: lo haremos nacer desde lo abstracto de nuestra imaginación hasta el brillo de sus ojos en una ilustración.”

OBJETIVOS

Dirigido a aquellos con conocimientos básicos de ilustración vectorial como: ilustradores, diseñadores gráficos, estudiantes de diseño y artistas visuales.

Entender el proceso de ilustración vectorial que va desde el bocetaje a mano alzada, el trazo vectorial, color, luz sombras y reflejos.

Aprender algunas mañas de Adobe Ilustrator y Photoshop.

REQUISITOS

Tener conocimientos básicos de Ilustrator y Photoshop.

Tener conocimientos básicos de dibujo: proporciones, perspectiva y volumen.

MATERIAL A LLEVAR

Cuaderno de hojas blancas para bocetar.

Lápices, estilógrafos, plumones, colores.

Laptop con Ilustrator y Photoshop instalados.

Lugar: Laboratorio Arte Alameda.

Fechas: 7,8 y 9 de junio.

Cupo: 15 personas.

Módulos: 4 en 3 días.

Costo: Hasta el 26 de mayo: $1500, después del 26: $1950.

Alex Sevilla: Ilustrador y creativo para www.tintacaracol.com.mx

Contacto e inscripciones: rp@mytrend.com.mx

Alex Sevilla es Diseñador Gráfico por la Universidad Iberoamericana e Ilustrador con más de 7

años de experiencia en el campo laboral. Tiene además un gusto particular con las artes plásticas, siendo la pintura uno de sus grandes amores.

Como ilustrador se ha especializado en el diseño de personajes de marca. Militó como Branding Manager para The Comex Group y actualmente es Creativo para Tinta Caracol con clientes en el extranjero. Es creador de la licencia IkniHuan que está por lanzarse en el segundo semestre del 2012. Así mismo se abrirá camino en el área editorial y género de cuento ya que actualmente trabaja en el manuscrito de su libro y por supuesto en su respectiva ilustración.

Por Mireille Torres

Air France conmemora sus 60 años de actividad en México con una muestra conmemorativa en el Franz Mayer. Se trata de una exposición en la que podemos ver el interés de la aerolínea por ofrecer el mejor servicio, pero también reflejar el interés por un diseño innovador a lo largo del tiempo.

El diseño está presente en diferentes áreas de servicio de la aerolínea: dentro de las aeronaves, en las vajillas a bordo, en los uniformes, tomando en cuenta que sus usuarios son clientes exigentes acostumbrados siempre a un buen estilo de vida.

También esto es apreciable en el diseño de las aeronaves, la decoración de las cabinas, las ilustraciones de los menús a bordo y carteles de promoción a sus destinos, los maletines, siempre con conceptos estéticos vanguardistas e innovadores.

A su vez, se organizó una pequeña subasta a beneficio de la Fundación Piña Palmera Centro de Atención Infantil A.C., que desde hace 20 años atiende el tema de discapacidad con personas de comunidades rurales, mayormente a indígenas de la costa sur del estado de Oaxaca.

La subasta se organizó en conjunto con la galería Traegger y Pinto y piezas de Claire Becker, Irene Dubrovsky, Emilio Said, Orlando Díaz, Manolo Cocho, Tania Ximena, Alfredo Blasquez, Alejandra López Yasky, Jorge Tellaeche, Barry Wolfryd y Andrea Lombardo fueron seleccionadas para dicha subasta. Para hacerla atractiva, las piezas estaban 20% abajo de su precio original y podías encontrar obras desde los 3,000 hasta los 85,000 pesos.

El 12 de mayo, en Acapulco, se efectuará la subasta de otra escultura y lo recaudado se entregará a la Fundación Niños en Alegría, que desde hace más de nueve años dedica su labor a trabajar con niños de las comunidades marginadas del estado de Guerrero.

Air France entregará a las dos asociaciones mexicanas lo recaudado por la venta de la escultura Plein les Cieux  (Cielos plenos), creada especialmente para los 60 años de Air France por Claire Becker, escultora francesa radicada en México.

Vale la pena ir al Museo Franz Mayer a ver una exposición sobre diseño y aeronaves ya que es un tema que generalmente no se exhibe.

Museo Franz Mayer

Hidalgo #45, Centro Histórico

Martes a viernes de 10 a 17 hrs

Sábado y domingo de 11 a 19 hrs

Admisión general $45.00

Fuentes fotográficas:

Mireille Torres

Por: Pablo Silva           @pabs_garcia

La historia de Jonathan William Anderson es peculiar y, para ser honestos, un tanto envidiable. A la corta edad de 27 años este diseñador de origen irlandés ya cuenta con una marca consagrada en el mundo de la moda: J.W. Anderson es la firma que creó y que actualmente representa una promesa de frescura e innovación —que tanta falta hace— en las propuestas temporales contemporáneas.

Pero este caso de éxito no surgió de la nada. Su juventud estuvo marcada por una constante inquietud y curiosidad por experimentar cualquier manera de expresión creativa. Dicha ansiedad lo llevó a abandonar su vida en Irlanda y mudarse a New York para buscar el “sueño americano”. La idea inicial era volverse actor, llegar a Broadway, ser descubierto y lo demás sería historia…

Lamentablemente la gran manzana no es para todos y ante varios fracasos y penurias, optó por regresar al viejo continente; pero ahora a Londres, buscando una carrera como diseñador de modas. Al ingresar al London Collage of Fashion todo tomó sentido. La hiperactividad se transformó en motivación e inspiración y poco a poco esa energía desbordante se volvió en un talento único e innovador.

La joyería fue una de sus actividades paralelas y fuente de ingresos durante sus estudios, siendo su primer ensayo como artista y generador de conceptos.

Al obtener su degree, Anderson no podía esperar más. Tenía que darse a conocer y pronto. Un intership en una revista, o becario para alguna casa de moda, no era suficiente para él y en el 2008, sin patrocinios ni previo alguno, en una catedral abandonada realizó su primer desfile presentando una colección masculina desarrollada enteramente por él.

La atención y el ruido que generó este evento local volcó la atención de múltiples personalidades en el ámbito, abriéndole las puertas de este nicho tan exclusivo.

De producir pequeñas colecciones a la fundación y consolidación de su marca, la genialidad de Anderson no deja de sorprender. Su trabajo es audaz y un tanto lúdico. Una fuerte afinidad por los patrones y estampados es constante y realmente notoria. Los detalles tonales y los contrastes son apoyos para resaltar sus prendas y darles ese impacto extrovertido tan típico en su obra.

La esencia de sus atuendos es juguetona y jovial. Empezando sólo con colecciones masculinas, hace dos años incursionó en el ámbito womenswear, sin embargo la división y distinción de géneros no es algo que Anderson ejerza ya que es un fiel creyente de la dualidad y nobleza en cualquier concepto.

Los conjuntos —tanto de hombre como de mujer— están compuestos en su mayoría por prendas sueltas pero estilizadas. La libertad en el movimiento, el sentido unisex y la excentricidad —gracias a colores fluorescentes o el uso de múltiples materiales en la construcción de sus prendas— son los principales distintivos que se pueden apreciar gratamente en su trabajo.

Joven, fresco y desenfadado, J.W. Anderson ha logrado lo que pocos diseñadores —con una larga trayectoria— pueden, y nos mantiene pendientes y atentos a las impactantes sorpresas que nos suele entregar colección tras colección.

Fuentes fotográficas:

http://j-w-anderson.co.uk/

 Por Mireille Torres

A sus 83 años muere Maurice Sendak, uno de los autores norteamericanos de literatura infantil más importantes del siglo XX. Sendak es mayormente conocido por la publicación de 1963 Where the Wild Things Are (Donde viven los monstruos), libro que ha marcado a varias generaciones y por el que ganó la Medalla Caldecott –el más prestigioso premio estadounidense dedicado a la literatura infantil y juvenil– en 1964.

Sendak comenzó ilustrando libros de otros autores de literatura infantil reconocidos de la editorial Harper & Row hasta que pudo publicar su primer libro en 1956, Kenny’s Window. De ahí en adelante, tuvo una trayectoria fructífera que le hizo meritorio a varios galardones como el Premio Hans Christian Andersen por ilustración, el Premio Laura Ingalls Wilder y en 1996 la Medalla Nacional de las Artes, presentada por Bill Clinton.

Donde viven los monstruos ha sido adaptada a la pantalla grande en dos ocasiones, la primera fue una animación del libro dirigida por Dave Eggers y con música del compositor Peter Schickele. La segunda a cargo de Spike Jonze, con animaciones y actuaciones memorables.

Los personajes de los libros de la colección Nutshell Library se volvieron animados en un especial para la televisión en 1975 dirigido por el propio Sendak y con canciones de Carole King.

Su libro In the Night Kitchen, un tributo a la ciudad de Nueva York, fue censurado en las escuelas por contener escenas de desnudo infantil. En él, un niñito aparece completamente desnudo exponiendo sus genitales.

El cuento de 1981, Outside Over There sirvió, si no de influencia directa, sí como inspiración para la película Labyrinth de 1986, dirigida por Jim Henson en la que David Bowie y Jennifer Connelly son las estrellas principales.

Maurice Sendak también es reconocido como diseñador de escenografías y vestuarios, como en la ópera de Mozart, La flauta mágica, presentada en la Grand Houston Opera en 1980.

Entre sus más recientes libros se encuentra el único con diseño pop-up, Mommy?, publicado por Scholastic en el 2006, en colaboración con Matthew Reinhart.

Está planeado que en febrero del próximo año se publique su libro post mortem My Brother’s Book, un poema escrito e ilustrado por Sendak, inspirado en el amor que le tenía a su hermano Jack.

Lo que lo hace un autor fascinante para nuestra época es que llevó la literatura infantil fuera del mundo en el que todo está a salvo con personajes que nos introducen en lo monstruoso de la psique humana. Su manejo de la escritura nos remite a autores como Hans Christian Andersen, Leon Tolstoy, Herman Melville, o William Blake, en la que personajes demandantes, egoístas, y antipáticos emergen para dar vida a situaciones dramáticas de orfandad, niños secuestrados o padres desaparecidos siempre con una vuelta de tuerca hacia la comedia con niños mal portados que se desenvuelven en las dificultades de la vida a tropezones. Sí, la vida de un niño es melancólica también.

Fuentes fotográficas:

http://www.nytimes.com/2012/05/09/books/maurice-sendak-childrens-author-dies-at-83.html

http://m.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-17994402