BPM Festival – Lineup Segunda Parte y Calendario de Eventos

BPM Festival por fin ha anunciado la segunda fase del lineup de esta sexta edición, además de los schedules tanto del día como de la noche. Con más de 250 artistas confirmados, este invierno Playa de Carmen se convertirá en el lugar más concurrido por los melómanos.

El lineup incluye a muchos artistas veteranos del BPM que regresan por otro knockout, como: Danny Tenaglia, Heidi, Luca Bacchetti, Mr. C, Pillowtalk, Sander Kleinenberg, Sharam, Simon Baker, Tone of Arc, y más.

También encontraremos nuevas propuestas que tendrán su debut durante esta edición del BPM que seguramente impactarán en la escena, como: Cajmere, DJ Harvey, Josh Wink, Livio & Roby, Masters At Work, Robert Dietz, Sander van Doorn, Slam, Sunnery James & Ryan Marciano, Radhoo, and muchos muchos más!

Schedule Día:

Schedule Noche:

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Sasha Grey quiere firmar autógrafos a las primeras 69 personas que lleguen el día del evento. Trae tus películas, libros, fotos, revistas, playeras, discos, etc y conviértelo en un souvenir único!!!

Sasha Grey, es una ex actriz porno que desde el comienzo de su carrera ha sabido escaparse de ser etiquetada como una pornstar “cliché” como cualquier otra. Ella es diferente, es única. Con muchas inquietudes artisticas que van desde el modelaje, la actuación y la música, combinando eso con una evidente imagen de egocentrista, esta chica de 24 años ha sabido penetrar en la cultura pop a un punto de ya ser catalogada por muchos como un ícono de estos tiempos.

Como Dj ha tocado en los mejores lugares del mundo, ahora trae su dj set a Mexico con bases de electro house.

Dj’s:

-Sasha Grey junto Dj A-Cup

-Niko Glenn

-Sintonika

Vj Gustavo Cisneros

$400

Venta de Boletos:

Karma Bagels
Nuevo Leon 102 Esq Michoacan Col Condesa

Babilonia Show Center
Calle Rio San Angel 89
Col. Guadalupe Inn Delegación Alvaro Obregon
Mexico DF

Reservacion de Mesa: 41 71 06 85

Pasara la pelea de Box en vivo en un Salon del Babilonia

Por Daniel Herranz @DanLoHe

Con el tiempo, la mayoría de los objetos que usamos cotidianamente transforman el día a día en algo rutinario, aburrido. Pasan de ser algo innovador a algo estático y, muchas veces, sin valor absoluto. Una cuchara, una pluma, el celular, todo es tan normal que siempre pensamos en adquirir cosas nuevas, algo “innovador”. Sin embargo, hay quienes encuentran en lo ordinario un semillero de experiencias, de oportunidades para resignificar un objeto y darle otro uso, otra perspectiva totalmente diferente.

Fue así como el diseñador Jasper Morrison junto con la empresa italiana Colombo Design decidieron recorrer Venecia acompañados de un elemento que pocas veces viaja en un la maleta: “gira”, una cerradura lineal.

Pero ¿una manija como centro de atención de una fotografía? Sí, la intervención de algo tan cotidiano y que creemos que sólo tiene un uso específico, se convierte en el eje central de las imágenes que muestran a la ciudad flotante a través de una crónica fácil de apreciar por la relación poética entre gira y la imponente Venecia.

Una cerradura representa la posibilidad de acceder o escapar de cualquier espacio cotidiano específico. En ese sentido, la serie va encaminada a invitar a explorar las señales idiosincráticas como la luz de las lámparas de los callejones, los pilares de los edificios y las paredes manchadas que construyen la identidad de Venecia.

El objetivo de Morrison, además de intervenir un espacio público, descansa en la protección del medio ambiente y en desatar una reflexión sobre la modificación que están sufriendo muchos lugares en el mundo debido al cambio climático. La serie pretende crear conciencia sobre la conservación de los espacios, sobre cómo muchas veces nos interesan más otras cosas que el lugar en el que estamos parados. Es así como gira representa la elegancia, la clase y el carisma de un viajero auténtico que posee un vigor lujurioso, que desea conocer y recorrer las ciudades sin prisas y que no olvida los detalles que lo rodean en ese instante.

Fuentes fotográficas:

http://www.jaspermorrison.com

http://www.colombodesign.it

 Por: Joe Rude

¡Ha llegado, ya está aquí! un disco tal vez por muchos esperado, tal vez por otros ignorado, el hecho es que yo sí lo esperé para poder hablarles de él y… helo aquí, con ustedes: B3!

B3 es el título del nuevo disco de la agrupación inglesa Placebo, la cual hizo mucho ruido por ahí de mediados de los noventa, afianzando éxito hacia el 2003, descendiendo desde el 2009 a la fecha. Después de tres años, se metieron al estudio para plasmar un nuevo álbum, o deberíamos llamarlo EP, pues consta de sólo cinco canciones, las cuales hablarán solas después de la ausencia.

Realmente espero que este EP más adelante se convierta en un disco, así que le pido a todos los fans que se den la oportunidad de. Placebo se encargó de hacer música alternativa de gran calidad, obteniendo un buen lugar dentro del mercado. En lo personal, creo que Sleeping With Ghosts es el disco más sólido, que contó con mayor mercadotecnia y reportó más éxitos, justo a la mitad de su carrera, y en el que su sonido mostró el mayor impacto, de ahí siguieron con agresividad mas no con variedad.

En B3 da la impresión de que las piezas aún no estaban listas para lanzarse con la importancia de un nuevo álbum: La canción homónima, “B3″, tiene un ritmillo pegajoso, muy similar a “Special Needs”, después de una entrada con riffs agresivos con distorsión aguda, lo que corrobora lo antes mencionado con respecto al mejor de sus discos. Esta canción, así como empieza termina, por lo que el oyente pondrá a prueba sus esperanzas para seguir escuchando.

Placebo suena tal cual como en el 2009, lo que quiere decir que no han pensado en nada diferente en composición y producción. Si alguien les conocerá apenas con este CD, se sentirá tranquilo al saber que atrás de B3 hay una buena cantidad de canciones que definen mejor a la banda.

Por ejemplo, el tema “I Know You Where Live” me parece muy bueno: abre con un arpegio de guitarra con un sentimiento más claro que en B3, tiene armonía y melodías bastante sólidas y sencillas, recordando en oscuridad a bandas como Interpol o She Wants Revenge, bandas frescas en su época que adoptaron mucho esos rasgueos rápidos de guitarra. En esta canción tenemos al Placebo melancólico de siempre y me suena más comprometida en sonido final.

Por si no fueran suficientemente pocos los tracks, los Placebos han decidido incluir en este EP el cover de la canción “I know you want to stop” de la banda post grunge Minxus, pionera de los 90, y sinceramente esta versión ofende por mucho a la original. Placebo tiene un disco de covers a canciones de varios iconos de la escena musical, pero no es haciendo refritos como se puede apreciar a una banda, ya que a veces mejoran los temas y otras tantas los echan a perder.

La verdad, hace falta material para poder evaluar el desempeño creativo de esta banda después de tres años, aun así, lo que podemos escuchar claramente es que tienen energía para más y lo demuestran en vivo, tienen el talento y las capacidades para seguir avanzando, si este EP queda sólo en esas cinco canciones y pasan otros tres años para poder volver a escuchar material nuevo de esta banda, estará más que claro que el hacer musica ya no es tan importante como lo es hacer. El caso es que B3 ya está aquí y les propongo escucharlo para dar un beneficio de duda a Molko y compañía.

In music we trust!

http://fallenstar666.deviantart.com

http://article.wn.com

Por: Mireille Torres

De Hollywood, la mayor industria cinematográfica, siempre habrá cosas nuevas de que hablar. Es el caso del nuevo libro llamado Hollywood Unseen, en el que se han impreso las fotografías que forman parte de la colección de John Kobal. La historia de Kobal comenzó en el anonimato. Nació en Austria en 1940 y se enamoró del cine hollywoodense después de entrar a una sala donde se proyectaba, al público espectador de las fuerzas militares, una película donde salía Rita Hayworth. A pesar de que Kobal soñaba con estar en los escenarios, su colección de memorabilia cinematográfica lo llevaría por rumbos distintos. A lo largo del tiempo, su archivo se ha vuelto muy importante para la industria.

Es así que el próximo mes saldrá a la venta el libro donde podrán verse stills y retratos de las estrellas de Hollywood. Algunos son muy famosos, otros no se conocían. Estas fotografías son el recuerdo de una época pasada, cuando los artistas posaban en escenarios completamente artificiales frente a las cámaras en blanco y negro.  Al respecto, Kobal mencionó que “el cine es la única cosa creativa que se ha producido y que vale la pena en este siglo, y si no, por lo menos entretiene.”

A la par, una exposición se llevará a cabo, del 10 de octubre al 3 de noviembre, mostrando los stills originales en la Getty Images Gallery (Eastcastle Street, Londres). De esta manera, actores como Rita Hayworth, Marylin Monroe, Gary Cooper o Humphrey Bogart darán cuenta una vez más del gran imperio cinematográfico estadounidense. Desde actores posando con animales hasta escenarios más íntimos o domésticos es lo que se podrá encontrar. Esas estrellas del pasado que se han forjado una leyenda, podrán ser vistas tanto en rodaje de películas como en la vida cotidiana.

Estas fotografías son una muestra de cómo Hollywood siempre buscó retratar a sus estrellas en una manera positiva al público. La mayoría son en blanco y negro, perteneciente a la década de los cuarenta y cincuenta, provocando una nostalgia por la época de oro en la que el glamour siempre estuvo presente.

A mediados de octubre, la Fundación John Kobal pondrá a la venta reproducciones fotográficas del archivo Hollywood Unseen a un precio muy considerable (£40.00). La fundación se encuentra entre los expertos del retrato hollywodense y recauda el dinero para ayudar a fotógrafos emergentes para la producción fotográfica.

Tanto el libro como la exposición son, en definitiva, un “must” para los fans del cine de Hollywood.

Fuentes fotográficas:

http://www.viewlondon.co.uk/whatson/hollywood-unseen-exhibition-at-getty-images-article-11886.html 

http://www.vulture.com/2012/09/hollywood-unseen-images.html#

Por: Joe Rude

Una banda distinguida del género Doom, Metal Gótico, ha resurgido después de su Conspiración divina y su Diseño de universo. Han variado su sonido del muy manido gothic metal de aquella época, muy al estilo de After Forever (AF), primera banda del guitarrista Mark Jansen (Epica) con su hermana, la vocalista ex After Forever hoy Revamp, Floor Jansen.

¡Claro! estamos hablando de Epica, una banda holandesa liderada por la bella y talentosa Simone Simons, mezzo soprano influenciada por Tarja Turunen. Sus dos primeros discos son los que me parecen grandiosos: Phantom Agony y Consingn to Oblivion, dedicado a la cultura maya (y que dio vida al proyecto alterno de Mark llamado Mayan). De ahí en adelante, siento que se han forzado a evolucionar, probando aquí y allá, y han dejado de ser una banda joven.

La disquera Nuclear Blast se ha vuelto más ambiciosa con ellos y su sonido lo expresa, predominando el Power Metal y las influencias del Neo Progresivo, en mezcla de los característicos Grunts o voces guturales de Mark que, a diferencia de AF en su ocaso, ellos no han perdido.

En Requiem for the Indiferent, el nuevo disco, escuchamos una producción monumental, suena muy elaborado, las orquestaciones permanecen majestuosas otorgando una atmósfera de profundidad a los temas. La salida de este disco representa el inicio de una gira de promoción que incluye América Latina, público favorito para ellos. El pasado 5 de octubre se presentaron en México.

De acá, girarán a Norteamérica y culminarán en su Holanda natal con el gran show Retrospect por sus diez años de carrera. Para renovarse está bien. Canciones como Karma Prelude, abre el disco con una fina y brumosa orquestación, como antesala de este caos universal, un impacto característico del Doom Metal por su desoladora visión del mundo.

Suenan contundentes, pero repetidos, y con esto no me refiero a que deban ser radicales, sólo al hecho de que la temática desde Divine Conspiracy, a este Requiem, es exactamente igual, esto no quiere decir que sea malo: temas como: “Monopoly of Truth” o “Storm the Sorrow”, tienen la estructura de canciones predecibles aunque bien trabajadas. El tema título, presenta los clásicos ritmos orientales que usaba Mark desde AF y en “Deep Water Horizon” notamos que Simone ha retomado la senda melódica al acoplarse bellamente con una guitarra acústica. Se escucha forzado, aunque para ellos, en sus palabras, sea un festejo a su carrera. Pero lo mismo le pasó a After Forever, que en un salto a lo radical desaparecieron.

Hoy día este género, que ha visto nacer a grandes bandas como Tristania, Sins of the Beloved, Odes of Ecstacy, Dreams of Sanity, también las ha visto morir, convirtiendo a Epica en una de las más sólidas hasta el momento, donde la falta de variedad se compensa con cierta singularidad.

El tema central que aborda hoy Epica, es el mismo que a todo mundo parece preocupar y a poca gente ocupar, pues aunque lo sabemos no hacemos mucho, ni por la economía ni por el ambiente, ni por las profecías ya sea que se cumplan o se rebelen como mentiras.

Como reza el título del álbum, éste es un requiem para los indiferentes que no toman consciencia del caos que azota al mundo, Epica nos invita a reflexionar y actuar.

El tema es bueno y profundo, y hace mucho ruido en la cabeza de Mark Jansen desde Consing to Oblivion, pasando por Mayan hasta Requiem For The Indifferent, destrucción y un mundo agonizante, y en sus composiciones no lo puede callar. La composición tiene calidad y la música lo demuestra. Epica siempre ha sido una banda sencilla y muy apegada al respeto con los fans, pues con la fama y la ambición, muchos olvidan esa parte de hacer feliz a quien compra sus discos. Epica es una banda honesta sin importar que cambien de estilo, como lo hizo Simone al dejar un poco lo operístico y tomado una actitud más rockera.

Lo cierto es que en el mundo del metal hay para todos los gustos y es difícil que se toleren unos a otros, por lo que este disco es para criterios más amplios y para fans de lo teatral mezclado con rock pesado. Curiosamente, el tema bonus: “Nostalgia”, es el que más recuerda a Epica en su primer disco, lo que verdaderamente produce nostalgia. Escuchen ustedes la calidad de estos músicos holandeses y si ya les conocen entenderán mejor de que hablo.

In music we trust!

Fuentes fotográficas:

http://www.epica.nl/

http://onlyhdwallpapers.com

Por Daniel Herranz            @DanLoHe

Sí, es innegable que vivimos en un mundo estricta y cronológicamente simultáneo. Hoy en día es bastante frecuente escuchar la palabra “contemporáneo” en cualquier lugar. Comúnmente vemos o leemos “arte, danza, literatura contemporánea”, refriéndose a lo que existe al mismo tiempo que una referencia, por ejemplo nosotros, los “adultos contemporáneos”.

Pero en este mundo, donde el paso del tiempo es tan fugaz debido a la pertinencia de la tecnología, que a su vez ha subyugado al paso del tiempo, ¿dónde queda lo atemporal? Es decir, nos hemos acostumbrado tanto a que las cosas sucedan tan rápidamente que cuando nos damos cuenta, ya nos graduamos, conocimos al amor de nuestra vida (dos veces), perdimos nuestro trabajo soñado y de repente estamos ahí, donde empezamos, pero con diez años y algunas arrugas más. En ese sentido, aquellas cosas –y personas, ¿por qué no?– que se resisten al paso del tiempo ¿siguen siendo tan subversivas como para continuar su existencia?

Como sea, podríamos pensar que esa subversión bien puede ser registrada en fotografías. La captura de un instante de la realidad que representa tantas cosas es una hazaña que muy pocos pueden lograr y mucho menos realizar una y otra vez. Un ejemplo, sin duda, es el fotógrafo Patrick Demarchelier. Hoy, su nombre como una icónica bandera gracias a la propuesta estética que ha creado durante varias décadas.

Actualmente, con casi 70 años, Patrick se ha dedicado a cuestionar la ubicuidad del concepto de eternidad con una serie de fotografías creadas en colaboración con otro reconocido fotógrafo: Victor Demarchelier.

El objetivo de la serie, llamada What’s contemporary?, es justamente representar una estética atemporal y clásica que siempre ha sido, y siempre será, contemporánea. Sin embargo, y a pesar de la gran brecha generacional que divide a los autores, son imágenes que atienden dos perspectivas diferentes y que se inscriben en el concepto “timeless”, es decir, que se resisten a ser clasificadas en un tiempo determinado.

Esto fue posible gracias la visión, bastante clara, que ambos fotógrafos tenían de las fotos. Fue un proyecto un tanto instintivo; lejos de la presión que existe por crear “nuevas cosas”, algo innovador. Por eso el carácter de la serie es atemporal, apelando a que la mayoría de las ideas para sesiones de moda son terriblemente repetitivas y hasta cierto punto inútiles. “Una modelo atípica bajo una hermosa luz, esa es la fórmula que nunca pasa de moda. Y sí, la moda está en constante cambio, pero no creo que nuestra idea de belleza esté cambiando tan rápidamente. La moda se transforma y se reinventa día con día, pero la belleza no tiene edad”, afirman los fotógrafos al explicar la estética “atemporal” de las fotos, que destaca no sólo el paso del tiempo, sino también desafía la imaginación común de hoy en día.

Es así como el foco principal de What’s contemporary?, además del tiempo, es la idea de belleza. Mantener a las modelos lo más natural posible: apenas se cepilló el pelo, se utilizó el mínimo de maquillaje y escasa ropa en cada chica para que la moda no tuviera el papel principal del proyecto. Se trata de una serie que desafía a admirar la belleza siempre teniendo como reto la no visualización del tiempo en cada una de las fotos.

Fuente fotográfica:

http://models.com

Por: Mireille Torres

La Frieze Art Fair es una feria internacional de arte contemporáneo que se lleva a cabo cada año, desde el 2002, en el mes de octubre en Reagent’s Park, Londres. Los directivos de la feria son Amanda Sharp y Matthew Slotover, quienes también publican la revista Frieze, una de las más reconocidas en el mundo del arte. La Frieze Art Fair no sólo reúne a galerías de arte contemporáneo, sino también incluye obras comisionadas, pláticas y programas educativos.

La noticia para este año es que los directivos de la feria han decidido organizar dos ferias más: Frieze New York y Frieze Masters, una feria en Londres que le dará una perspectiva contemporánea a la historia del arte. Ambas ferias darán inicio en octubre de este año, es decir, en unos cuantos días.

Sharp y Slotover comentan que “En la feria de arte de Frieze nuestra búsqueda ha sido la de crear un destino único con una atmósfera con valor tanto cultural como comercial. En el décimo año de la feria, estamos encantados de llevar esta visión a Nueva York. También nos emociona el reto de Frieze Masters, donde daremos una visión contemporánea al arte anterior al siglo XXI. Buscamos seguir ampliando las relaciones ya existentes de la feria con las galerías, coleccionistas y curadores.”

Si bien la idea de una feria así no es nueva, pues ya existe la Feria de arte y antigüedades de Maastricht en Holanda. La diferencia que otorga la de Frieze es su interrelación con lo contemporáneo.

De esta manera, lo que encontrarán los visitantes, del 11 al 14 de octubre, será una relación entre el arte antiguo y el arte contemporáneo. Alrededor de 175 galerías internacionales mostrarán obras realizadas antes del año 2000, entre antigüedades, obras maestras y arte del siglo XX.

Según el comunicado de prensa, coincidiendo, y a la vez tomando distancia con la feria de arte Frieze, ambas ferias harán que en octubre Londres sea el centro de atención de todo el mundo del arte. El evento estará auspiciado por la National Gallery de Londres y Annabelle Selldorf –de Selldorf Architects en Nueva York–,  estará a cargo del diseño y creará un ambiente contemporáneo y elegante, en cinco tonos de gris y blanco, en el que el arte antiguo y el moderno se pueden mostrar a la vez.

A la par de la feria, saldrá el primer número de la revista Frieze Masters, que también pretende ver hacia el arte de todas las épocas con una mirada contemporánea. Habrá entrevistas con historiadores del arte, textos en relación a los estudios de los artistas y sobre la oleada de exposiciones en las que se mezclan obras contemporáneas con colecciones de arte antiguo. De igual manera, se tocan nombres de artistas contemporáneos que han sido influenciados por el arte antiguo, como Chris Ofili, por Tiziano; Grayson Perry, por William Hogarth, y Susan Philipsz por Botticelli.

Hay quienes tienen una mirada escéptica en torno a esta nueva feria, pues piensan que la de Frieze ya está muy consolidada y ahora se atreven a entrar a terrenos que desconocen. ¿Acaso es que la feria busca abarcar más que la FIAC en París, cuyo campo histórico es más abierto? ¿Creen que el arte antiguo sobrevive más a la recesión que el nuevo?

Sin embargo, los críticos con mirada de historiadores del arte han recibido muy bien la feria y la ven como la mejor noticia en años. En lo personal, me parece una idea formidable el poner a la par una feria de arte contemporáneo con una de arte antiguo que a su vez está contemplada para exhibir arte que puede ser medieval, junto con una pieza de finales del siglo XX. Imagínense poder encontrar en un mismo espacio a la venta un Rubens a lado de un Warhol de la década de los cincuenta. Hay quienes podrían pensar que con una feria así se perdería cada vez más lo único y especial del arte, y sería visto –una vez más- como un objeto de consumo, vaya: que ya ni por las grandes obras maestras se tiene respeto. Por una parte eso es verdad, pero por otra, me parece necesario generar una conciencia histórica en los coleccionistas jóvenes para que también aprecien lo maravilloso de lo antiguo, aunque no sé si precisamente sea una feria la manera de hacerlo.

Además, independientemente del mercado y de las diversas ferias que existen alrededor del mundo, me parece que los organizadores están pensando en algo sintomático de esta época. El arte en estos días ya no se limita a un canon específico; en este sentido, no sólo los artistas conceptuales son los portavoces, ni tampoco los que aluden más a una técnica exquisita o a lo artesanal. En estos tiempos, lo que podemos encontrar es una “diversidad” y un oferta para todos los gustos. En la intersección de ambas corrientes pensemos por ejemplo en los bustos de Francesco Vezzoli, su autorretrato como “Helio vs. Selene”, vendido por la galería Yvon Lambert a un coleccionista europeo por 250, 000 euros en la reciente Art Basel 2012. Mientras tanto, habrá que esperar a la respuesta del público y coleccionistas en esta primera edición de Frieze Masters 2012.

Fuente de imágenes:

http://art-antiques-design.com/2012/09/26/victoria-siddall-frieze-masters-a-unique-perspective/

http://www.telegraph.co.uk/culture/art/architecture/9582000/Frieze-Masters-Regents-Park-preview.html

http://www.frieze.com/publications/details/frieze-masters-issue-one/

http://www.londonlovesbusiness.com/lifestyle/london-art/now-with-added-botticelli-frieze-art-fair-is-getting-even-bigger/3601.article

Por: Daniel Herranz                @DanLoHe

A estas alturas podemos decir que ya es costumbre que Chanel nos sorprenda temporada tras temporada, no sólo con su colección –esta vez primavera/verano 2012–, sino por todo lo que hoy es y representa el Prêt-à-porter de una de las casas de moda más importantes del mundo.

Hace un año, a todos nos sorprendió la pasarela que construyó especialmente la ganadora del Pritzker en 2004, Zaha Hadid, para la colección primavera/verano 2012 de Chanel. Inspirada en la tendencia de esa temporada, Zaha convirtió el Grand Palais en el fondo del océano: burbujas, conchas y corales gigantes combinaban a la perfección con la colección marina de Karl Lagerfeld. A eso hay que sumarle que, de repente, aparece Florence Welch cual sirena, para cantar y así completar el fashion show. Nada mal, ¿verdad? Difícil de superar… también.

Este suceso hizo que las expectativas para las pasarelas venideras fueran aún más altas. Y sí, hay que reconocer que la colección otoño/inverno 2012-13 fue algo modesta, no obstante, no pasó desapercibida. La pasarela reciente recobró fuerzas creativas al estar inspirada en uno de los temas favoritos de todo el mundo: la ecología.

La idea escenográfica y de algunas piezas y detalles de la colección nacieron cuando Karl Lagerfeld escapó a un parque porque quería tomar aire fresco. Entonces empezó, inminentemente, a construir una reflexión sobre la energía, la fuerza y el poder del aire y cómo esto se podía aplicar en la moda.

El resultado a primera vista fue una pasarela edificada con paneles solares que conforman una plataforma dentro del Gand Palais. A lo largo del espacio se encuentran esparcidas dos filas de turbinas eólicas –13 en total–  para producir energía sostenible, enviada a todo el interior del recinto.

“Todo esto –el concepto de la pasarela y la colección– se trata sobre el estado de ánimo de los tiempos, no es algo que tenga que traducir, sino entender… Todo es sobre el viento, lo que está en el aire”, menciona Lagerfeld en una entrevista para Vogue.

La recopilación de aireado a la que se refiere Lagerfeld, se puede ver en la influencia de la energía solar y eólica en algunos diseños, como un vestido que parece estar compuesto de pequeñas celdas solares que fueron imitadas por lentejuelas negras y azules, así como un suéter de punto con una turbina eólica atravesada en la prenda.

Esta vez fue el turno de los Chromatics para musicalizar el fashion show. Atmósferas únicas que conservan una reminiscencia eléctrica que acentúa a la perfección todo el concepto del show.

Fuentes fotográficas:

http://www.chanel.com/

Por Daniel Herranz              @DanLoHe

En el mundo de la moda muchas veces se dice que nuestra forma de vestir dice mucho de nosotros. Además de mostrar carácter, se trata de una extensión de nosotros mismos que, incluso, sugiere parte de la historia que vamos construyendo. Comprobarlo es fácil, por ejemplo: ¿qué sería de María Antonieta sin sus estrafalarios y escandalosos vestidos? o ¿cómo hubiera sido la historia del sencillo y elegante Little black dress de Chanel si Holly Golightly (Audrey Hepburn) no lo hubiera usado cuando desayunaba en Tiffanys?

Bajo este presupuesto, los curadores Sir Christopher Feayling y Deborah Nadoolman Landis reflexionaron sobre la pertinencia que tendría hacer una exposición que mostrara la importancia y la intrínseca relación de la moda y el cine. Y qué mejor manera de construir esta exhibición que a través de los vestuarios más icónicos del cine hecho en Hollywood.